- Industry: Art history
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An international avant-garde group or collective founded and given its name in 1960 by the Lithuanian/American artist George Maciunas; originally for an eponymous magazine featuring the work of a group of artists and composers centred around John Cage. The Latin name means flowing. In English a flux is a flowing out. Maciunas said that the purpose of Fluxus was to 'promote a revolutionary flood and tide in art, promote living art, anti-art'. This has strong echoes of Dada with which Fluxus had much in common. The group coalesced on the continent, first in Germany where Maciunas worked for the US Army. Fluxus subsequently staged a series of festivals in Paris, Copenhagen, Amsterdam, London and New York at which activities included concerts of avant-garde music and performances often spilling out into the street. Almost every avant-garde artist of the time took part in Fluxus, such as Joseph Beuys, Dick Higgins, Alice Hutchins, Yoko Ono, Nam June Paik, Ben Vautier, Robert Watts, Emmett Williams, and it played an important part in the opening up of definitions of what art can be that led to the intense and fruitful pluralism seen in art since the 1960s (see eg Conceptual art, Performance art, Film & Video art, Postmodernism). Its heyday was the 1960s but it still continues.
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En ce qui concerne l'art, la forme du terme a deux acceptions. Tout d'abord, il se réfère à la forme générale prise par le travail, de sa nature physique. Deuxièmement, dans une œuvre d'art forme fait référence à l'élément de forme dans les différents éléments qui composent une œuvre. Peinture par exemple se compose des éléments de ligne, couleur, texture, espace, échelle et format ainsi que forme. Sculpture est composée presque exclusivement de forme. Jusqu'à l'émergence de l'art moderne, quand la couleur est devenu son rival, le formulaire a été l'élément le plus important dans la peinture et reposait avant tout sur le corps humain. Traitement ou la création de forme dans l'art de l'artiste vise à modifier les apparences physiques afin de faire une nouvelle forme qui est expressive, c'est-à-dire transmet une sensation ou signification en soi. Dans l'art moderne, que l'idée a grandi cette forme pourrait être expressive même si largement ou complètement divorcé des apparences. En 1914, le critique Clive Bell a inventé la forme significative de terme pour décrire ce (voir formalisme). L'idée a joué un rôle important dans l'art abstrait. En 1914, les britanniques pioneer peintre abstrait David Bomberg a écrit: "je fais appel à un sens de la forme — lorsque j'utilise la forme naturaliste j'ai dépouillé de toute la matière hors de propos" mon objet est la construction de la forme Pure. « Même l'espace peut avoir la forme — le sculpteur Henry Moore a fait remarquer que « un trou peut avoir autant sens forme comme une masse solide ». (Voir aussi biomorphique.)
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En général, le formalisme du terme décrit la position critique que l'aspect le plus important d'une œuvre d'art est sa forme, c'est-à-dire, la façon dont il est fait et ses aspects purement visuelles, plutôt que son contenu narratif ou sa relation avec le monde visible. Dans la peinture donc, un critique formaliste porterait exclusivement sur les qualités de couleur, pinceau, forme, ligne et composition. Formalisme comme une attitude critique s'est produite en réponse à l'impressionnisme et le post-impressionnisme (notamment la peinture de Cézanne) dans lequel sans précédent a insisté sur les aspects purement visuels de le œuvre. En 1890, le peintre et écrivain, Maurice Denis, publie un manifeste intitulé définition de Neo-Traditionism. La première phrase du présent est un des textes plus souvent citées dans l'histoire de l'art moderne: « n'oubliez pas, qu'une photo, avant qu'il soit une image d'un cheval de bataille, une femme nue ou une histoire, est essentiellement une surface plane recouverte en couleurs disposées dans un certain ordre. « Denis a souligné que le plaisir esthétique devait se trouve dans la peinture elle-même pas son sujet. Dans l'art formaliste de Grande-Bretagne la théorie a été développée par le peintre de Bloomsbury et critique Roger Fry et l'écrivain Bloomsbury Clive Bell. Dans son livre 1914 Art, Bell a formulé la notion de forme significative, que forme elle-même peut transmettre de sentiment. Tout ceci a conduit rapidement à l'abstrait art, un art de pure forme. Formalisme dominée par le développement de l'art moderne jusqu'aux années 1960 quand elle atteint son apogée dans la soi-disant nouvelle critique de la critique américain Clement Greenberg et autres, en particulier dans leurs écrits sur le champ de couleur peinture et de la Post Painterly Abstraction. C'est précisément à ce moment-là que le formalisme a commencé à être contestée par le postmodernisme.
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Format est traditionnellement utilisé pour décrire la forme et les proportions du support, par exemple la toile, d'un tableau ou autre œuvre d'art essentiellement plat comme un soulagement. Deux formats traditionnels plus fréquentes pour les peintures sont le rectangle horizontal souvent dénommé format paysage et le rectangle vertical appelée portrait. Un autre format traditionnel mais moins fréquent est circulaire celui connu comme le tondo. Formats carrés ont parfois été utilisés, notamment par exemple de JMW Turner et au vingtième siècle Ad Reinhardt. Le peintre abstrait Piet Mondrian utilisé occasionnellement une toile carrée accrochée par un coin comme un diamant. Depuis les années 1960 sur une approche beaucoup plus libre pour mettre en forme est devenu évident dans certains des travaux d'artistes tels que Frank Stella et Ellsworth Kelly et la forme de la toile est devenue un élément important dans la composition de le œuvre.
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Un objet naturel ou d'origine humaine (ou fragment d'un objet) trouvés (ou parfois acheté) par un artiste et gardé à cause de quelque intérêt intrinsèque, l'artiste voit dedans. Objets trouvés peuvent être mis sur un plateau et traités comme des œuvres d'art en elles-mêmes, ainsi que fourniture d'inspiration pour l'artiste. Le sculpteur Henry Moore recueillies par exemple des os et silex qui il semble avoir traités comme des sculptures naturelles, mais aussi les sources pour son propre travail. Objets trouvés peuvent également être modifiés par l'artiste et présentés comme art, soit plus ou moins intactes comme le Dada et surréaliste ready-made de l'artiste Marcel Duchamp, ou dans le cadre d'un assemblage. Comme si souvent, Picasso était un donneur d'ordre, de 1912, quand il a commencé à intégrer ses collages cubistes de journaux et des choses telles que des boîtes d'allumettes et de faire ses constructions cubistes de divers matériaux de récupération. Utilisation intensive d'objets trouvés a été faite par les artistes Dada et surréaliste, Pop et par des artistes plus tard comme Carl Andre, Tony Cragg, Bill Woodrow, Damien Hirst, Sarah Lucas et Michael Landy parmi tant d'autres.
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Une technique de peinture murale développée en Italie depuis le treizième siècle et se perfectionne au moment de la Renaissance. Deux couches de plâtre sont appliquées à un mur et laisser sécher. Sur la seconde la conception hiérarchique est aspirée. Pour faire de la peinture, une zone du mur correspondant à travail une journée d'est fraîchement plâtrée et le design a retracé se joignant les parties découvertes. Cette zone est ensuite peinte sur encore humide, à l'aide de peinture à l'eau. La peinture est absorbée par le plâtre humide devient partie intégrante de celui-ci, ce qui en fait une technique murale durable. Quelques retouches peut être fait lorsque le plâtre est sec mais une fresque entière sur plâtre sec encourt à s'écailler.
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Automatiste surréaliste technique développée par Max Ernst en dessins fabriqués à partir de 1925. Frottage est le mot Français pour le frottement. Ernst a été inspiré par un plancher en bois antique, où le grain des planches a été accentué par des années de lavage. Les patrons du grainage suggèrent des images étranges lui. Il s'empare d'eux en portant des feuilles de papier sur le plancher et en frottant ensuite sur eux avec un crayon. Les résultats suggèrent des forêts mystérieux peuplés de créatures de l'oiseau et Ernst publia un recueil de ces dessins en 1926 intitulé Histoire Naturelle (histoire naturelle). Il a pour utiliser un large éventail de surfaces texturées et rapidement adapté la technique de peinture à l'huile, qualifiant de grattage (grattage). Au grattage, la toile est préparée avec une couche, ou plus de peinture est ensuite posé sur l'objet texturé qui est ensuite grattée sur. Dans la forêt et la colombe de Ernst, les arbres semblent ont été créés en grattant sur l'épine dorsale d'un poisson.
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Mouvement artistique lancé par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti en 1909. Le 20 février, il publie son manifeste du futurisme sur la première page du journal de Paris Le Figaro. Parmi les mouvements modernistes futurisme a été exceptionnellement véhément dans sa dénonciation du passé. C'est parce qu'en Italie, le poids de la culture depuis a été ressenti comme particulièrement oppressant. Dans le manifeste, Marinetti a affirmé que « nous libérerons Italie de ses innombrables musées qui lui couvrir comme d'innombrables cimetières ». Ce que les futuristes proposé à la place était un art qui a célébré le monde moderne de l'industrie et de la technologie: « nous déclarons — une nouvelle beauté, la beauté de la vitesse. Une voiture de course automobile — est plus belle que la victoire de Samothrace. « (A célébré la sculpture grecque antique au Musée du Louvre à Paris.) Futuriste peinture utilise plusieurs éléments néo-impressionnisme et cubisme pour créer des compositions qui exprime l'idée du mouvement, de la vie moderne, l'énergie et le dynamisme. Chef artistes étaient Boccioni, Balla, Severini. Boccioni a été un important sculpteur mais aussi peintre.
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Art fait par un système prédéterminé qui souvent inclus un élément de hasard. La pratique s'enracine dans Dada, pourtant c'était l'artiste pionnier Harold Cohen qui a été examiné le des premiers praticiens de l'art génératif, quand il a utilisé des robots commandés par ordinateur pour générer des tableaux dans les années 1960. Plus récemment, le vainqueur du prix Turner Keith Tyson construit un ArtMachine, un système complexe récursif qui a généré des propositions détaillées des œuvres d'art pour Tyson à faire. Art génératif est surtout utilisé en référence à une certaine forme d'art fait sur le net, notamment parce que les artistes concevoir des programmes qui sont accessibles et contrôlées par le public. Art génératif est également associé à art de processus.
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Les genres ou types de peinture, ont été codifiées au XVIIe siècle par l'Académie royale de Français. Par ordre décroissant d'importance, les genres ont été historique, Portrait, Genre, paysages et natures mortes. Ce tableau de la Ligue, connu comme la hiérarchie des genres, reposait sur la notion de l'homme la mesure de toutes choses — paysages et natures mortes étaient les plus faibles parce qu'ils n'impliquaient pas de sujet humain. L'histoire était la plus élevée parce qu'elle traitait avec les événements plus nobles de l'histoire humaine et avec la religion.
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