- Industry: Art history
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Termo introduzido por Van Doesburg em 1930 'Manifesto da arte concreta' publicado na primeira e única edição da revista Art Concret. Ele chamado para um tipo de arte abstracta que seria inteiramente livre de qualquer base na realidade observada e que teria implicações simbólicas. , Afirmou que não havia nada mais concreto ou mais real do que uma linha, uma cor ou um avião (uma área plana de cor). Artista de o suíço Max Bill mais tarde tornou-se o portador da bandeira de arte concreta, organizar a primeira exposição internacional em Basileia em 1944. , Afirmou que o objectivo da arte concreta é criar ' um coisas de forma visível e tangível que não existia anteriormente — para representar pensamentos abstratos de forma sensual e tangível '. Na prática concreto arte é muito próximo ao Construtivismo e há um Museu de Constructive e arte concreta, em Zurique, na Suíça.
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A ascensão da fotografia conceitual na década de 1960 coincidiu com as explorações iniciais em vídeo arte. Usando câmeras, artistas como Richard Long e Dennis Oppenheim começaram a gravar suas performances e temporárias de arte funciona de uma forma que agora é frequentemente descrita como deadpan. o objectivo era fazer imagens simples e realistas da arte-final que parecia tão documental quanto possível. Foi a natureza pedestre da fotografia, sua capacidade inabalável para fotografar tudo o mesmo, que os artistas gostaram, acreditando que ele era a arte retratada na fotografia que era importante. Precedentes para fotografia conceitual pode ser encontrada, tanto para trás como o início do século XX quando Alfred Stieglitz fotografou Marcel Duchamp do readymade fez de um mictório, Bebedouro, para uma exposição em Nova York. a fonte original foi perdida, mas as fotografias por Stieglitz permanecem e se tornaram obras de arte em si.
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Este termo entrou em uso na década de 1960 para descrever uma grande variedade de tipos de arte que já não tomou a forma de um objeto de arte convencionais. Em 1973 um registro pioneiro dos primeiros anos do movimento apareceu sob a forma de um livro, seis anos, pela crítica americana Lucy Lippard. Os seis anos foram 1966-72. o longo subtítulo do livro referido 'arte conceitual ou informação ou idéia chamada'. Artistas conceituais de não decidiram fazer uma pintura ou uma escultura e, em seguida, ajustar suas idéias a esse formulário existente. Em vez deles Pense além dos limites dos meios de comunicação tradicionais e, em seguida, trabalhar fora seu conceito ou idéia em quaisquer materiais e independentemente da sua forma é adequada. Eles estavam dando, assim, a prioridade do conceito sobre a mídia tradicional. , Portanto, Conceptual art. Disto segue que arte conceitual pode ser quase qualquer coisa, mas a partir da década de 1960 certas tendências proeminentes apareceram como o desempenho (ou ação) art, Land art e o movimento italiano Arte Povera (arte pobre). Pobre aqui significado usando materiais de baixo valor, como galhos, pano, gordura e todos os tipos de objetos encontrados e sucata. Some Conceptual art consistia simplesmente de declarações escritas ou instruções. Muitos artistas começaram a usar fotografia, cinema e vídeo. Arte conceitual foi inicialmente um movimento dos anos 60 e 70, mas tem sido extremamente influente desde. Artistas incluem Art & Language, Beuys, Broodthaers Burgin, Craig-Martin, Gilbert e George, Klein, Kosuth, Latham, longo, Manzoni, Smithson.
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De forma geral qualquer peça de música ou por escrito, ou qualquer pintura ou escultura, pode ser referida como uma composição. Mais especificamente, o termo refere-se à maneira em que um artista arranjou os elementos do trabalho, a fim de trazê-los para uma relação satisfatória para a artista e, espera-se, o visualizador. Na arte da tradição clássica, triangulares ou piramidais composições foram usadas porque eles criaram uma sensação de equilíbrio e harmonia, organizando os números em uma estrutura geométrica global estável. Isso pode ser visto por exemplo no aproximadamente cónico agrupamento dos animais em éguas e potros George Stubbs. a idéia de composição como o ajustamento das relações dos elementos do trabalho dentro da borda da tela, permanecida incontestada através as convulsões dos primeiros movimentos modernos tais como cubismo e arte abstrata. Em seguida, na década de 1940, o pintor expressionista abstrato americano, Jackson Pollock, introduziu o que veio a ser chamado de allover composição, e o conceito tradicional tornou-se conhecido como composição relacional. No entanto, Pollock ainda geralmente parece ser compor dentro da tela de desenho. , Mas ao mesmo tempo, o pintor expressionista abstrato Barnett Newman começou a fazer pinturas em que grandes blocos de cor corri de cima para baixo da tela. Estes eram relacionais na medida em que as proporções das cores foram ajustadas uns contra os outros, mas eles eram radicais termos de composição em que os blocos de cor simplesmente correu para fora do topo e bordas inferior da tela, que Newman deliberadamente deixado emolduradas. Foi Frank Stella na década de 50 que alcançou uma composição que foi allover e quebrou fora do confinamento da tela de desenho.
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Cores complementares são cores que completar um ao outro - daí o nome. o efeito desta conclusão é aprimorar as cores — eles olham mais fortes quando colocados juntos. Isso é porque eles contrastam com os outros mais do que com quaisquer outras cores, e nós só podemos ver cores em contraste com outras cores. Mais a mais cor de contraste. Se você ficar em um quarto totalmente pintado de uma cor, após cerca de dez minutos, que ele irá desaparecer a cinzento. a complementar cores são as três cores primárias, vermelho, azul e amarelo e seus secundários. Cores secundárias são as cores obtidas misturando as cores primárias em todas as suas combinações de pares. Assim as três cores secundárias são verdes, laranja e violeta. a complementar os pares são vermelho-verde, azul-laranja e amarelo-violeta. Artistas começou a se tornar particularmente consciente da importância de cores complementares após o desenvolvimento da teoria científica cor no século XIX. Esta teoria desempenhada um papel importante no desenvolvimento do Impressionismo e pós-impressionismo como Fauvismo e muito moderna pintura posteriormente. Os impressionistas foram os primeiros a notar que sombras não são neutras, mas estão a cor complementar da luz que lança-los. Luz solar tão amarelo lança uma sombra violeta. Isso pode ser visto muito bem em mulher sentada Monet em um banco no vinco do seu braço e o pool de sombra em seus pés.
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A noção de arte comunitária evoluiu no borne Segunda Guerra Mundial era fora do conceito de democracia cultural - o termo usado para descrever práticas em que cultura e expressão artística são geradas por indivíduos e comunidades, em vez de instituições do poder central. Embora tivesse havido anteriormente experimentos preliminares no que ficou conhecido como arte de Comunidade, incluindo pela Irmandade Pré-Rafaelita do século XIX, não era até a década de 1940 que o conceito de arte comunitária surgiu e começou a ser visto como uma forma de capacitantes as pessoas. Inititatives incluídos colocando artistas plásticos, atores e músicos para trabalhar dentro de comunidades para criar composições, peças teatrais e murais públicos. Na 1960, quando a mudança social foi vista como possível, Comunidade arte foi vista como uma forma de dar voz da sociedade marginalizados.
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Na década de 1960 um grupo de artistas Pop começou a imitar as técnicas de impressão comerciais e assunto das tiras de quadrinhos. Pintor o americano Roy Lichtenstein tornou-se notório para criar pinturas inspirada pela Marvel comic strips e incorporando e ampliando os pontos de Ben dia usados na impressão de jornais - que rodeiam estas com pretos contornos semelhantes aos utilizados para esconder imperfeições em papel de jornal barato. Ao mesmo tempo Andy Warhol também foi usando imagens da cultura popular, incluindo tiras de quadrinhos e publicidade, que ele repetidamente reproduzidas, linha após linha, em uma única tela até que a imagem se tornou turva e desbotada. Pintor o alemão Sigmar Polke também manipulado o ponto de Ben dia, embora, ao contrário dos designs de gráficos lisos de Lichtenstein, pontos de Polke foram splodges que parecia gostar Velhaco acidentes na sala de impressão. Em uma veia parecida, Raymond Pettibon minaram o espírito inocente dos quadrinhos com seus desenhos salpicado de tinta e comentário sarcástico.
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Termo originalmente usado para descrever o trabalho de cerca de 1950 dos pintores expressionistas abstratos Mark Rothko, Barnett Newman e Clyfford Still, que caracterizou-se por grandes áreas de cor mais ou menos plana única. 'O campo de cor pintores' foi o título do capítulo lida com esses artistas na história da terra-quebrar o americano Adam Sandler Irvine do acadêmico, expressionismo abstrato, publicado em 1970. Em torno de 1960 um formulário mais puramente abstrato do campo de cor pintura surgiu na obra de Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland e outros. Diferiu do expressionismo abstrato em que estes artistas eliminou o conteúdo emocional, mítico ou religioso do movimento anterior, e o aplicativo altamente pessoal e artística ou gestual associado com ele. Em 1964, uma exposição de artistas de trinta e um associado com este desenvolvimento foi organizada pelo crítico Clement Greenberg em Los Angeles County Museum of Art. Ele intitulou-lo abstração Post-Painterly, um termo frequentemente usado para descrever o trabalho da geração de 1960 e seus sucessores. Lá na Grã-Bretanha foi um grande desenvolvimento da pintura do campo de cor na década de 1960 nos trabalhos de Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith e outros.
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A colagem é um termo usado para descrever a técnica e a obra de arte resultante na qual pedaços de papel, fotografias, tecido e outro ephemera são organizados e preso a uma superfície de apoio. Colagem pode também incluir outras mídias, como pintura e desenho e conter elementos tridimensionais. o termo collage deriva de palavras francesas papiers collés ou découpage, usado para descrever técnicas de colagem de papel corte-outs para diversas superfícies. Foi utilizado pela primeira vez como técnica dos artistas no século XX.
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Grupo foi formado em 1948 por artistas de Copenhagen, Bruxelas e Amsterdam e tendo seu nome desde as primeiras letras dessas cidades. No entanto, congratularam-se a referência uma coincidência a Snake, desde imagens animal foi comum na pintura de Cobra. Eles também estavam interessados na arte de crianças. Principais membros do Cobra Karel Appel, Asger Jorn e Nieuwenhuys constante (conhecida simplesmente como constante). Em estilo sua pintura foi altamente expressionista. Como um grupo que tinham preocupações sociais e políticas activas. Cobra realizou uma grande exposição em 1949 no Museu Stedelijk de Amesterdão sob o título internacional arte Experimental, mas o grupo dissolvido no início de 1950.
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